Ina Blom, Inside Equipment: the Autobiography of Video and the Transformation of the Artist’s Studio, 24 mai

Mis en avant

Le cycle « Archéologie des médias et histoire de l’art » présente les travaux d’historiens de l’art et de théoriciens qui abordent les liens entre l’art et la technologie à partir d’approches méthodologiques nouvelles empruntées à la discipline émergente de l’archéologie des médias. Le champ de recherche connu en anglais sous le nom de media archaeology et en allemand sous celui de Medienarchäologie s’est imposé ces dernières années comme un des plus stimulants et des plus féconds pour ce qui concerne la théorie, l’histoire et l’esthétique des médias, et ce notamment dans le cadre des études cinématographiques et audiovisuelles. Les « médias » sont ici envisagés non seulement comme moyens de communication de masse (les mass-media), mais surtout comme formes de médiation matérielle et technique. Les travaux dans ce domaine – dont beaucoup, non traduits, restent peu diffusés en France – font référence au modèle épistémologique de l’archéologie dans toutes ses variantes (de la fouille à la « description de l’archive » foucaldienne) afin d’étudier la perception, la représentation, la mémorisation et la transmission dans leurs aspects historico-techniques.

En partenariat avec l’université Sorbonne Nouvelle – Paris 3/LIRA

Comment envisager le travail de l’artiste « dans l’atelier » à l’heure des nouveaux médias ? Dans son ouvrage Machine in the Studio: Constructing the Postwar American Artist (1996), Caroline Jones a décrit très justement la manière dont le studio dans lequel œuvrait en solitaire le peintre « héroïque » de l’expressionnisme abstrait a cédé la place aux lieux de travail quasi industriels d’artistes tels Frank Stella et Andy Warhol. Ce faisant, Jones a cependant laissé dans l’ombre l’émergence d’une autre conception du travail artistique qui s’est développée en relation avec l’évolution technologique contemporaine, à savoir celle introduite par la vidéo analogique à ses débuts. Dans ce contexte, en effet, un certain nombre d’œuvres mettent en avant l’idée du studio « à l’intérieur de la machine », c’est-à-dire d’un studio littéralement déplacé vers le domaine « inconnu » de la modulation électronique en temps réel. Ainsi appréhendé, le travail de l’artiste n’est plus assimilé à la production industrielle de masse mais il rejoint les conceptions postindustrielles du travail comme invention et les nouvelles approches de l’association entre l’humain et la technique. Les œuvres qui reflètent cette mutation sont en même temps des exemples de la manière dont la vidéo analogique s’est attachée à explorer de nouvelles formes de mémoire technico-sociales et des ontologies sociales alternatives.

24 mai 2016 – 18h-20h

Galerie Colbert, auditorium
Institut national d’histoire de l’art
2, rue Vivienne ou 6 rue des Petits Champs
75002 Paris

entrée libre

Joanna Zylinska, Fossilising Time. Photography After Extinction, 25 février 2016, 18h-20h

Mis en avant

Joanna Zylinska, Professeur de New Media and Communications à Goldsmiths, University of London
Fossilising Time: Photography after Extinction

Dans mon intervention, le concept d’extinction me permettra de repenser l’ontologie de la photographie et son “agency” : ce que la photographie peut faire avec et au monde, sur quoi elle peut faire lumière, et quel est le rôle de cette lumière, ou, plus largement, la lumière en tant que telle, vue à travers l’objectif photographique, devant des questions de vie et de mort à l’échelle planétaire. En considérant l’histoire de la photographie en tant que partie d’une plus large histoire naturelle et culturelle de notre planète, je tracerai des parallèles entre la photographie et les fossiles. Je me pencherai en particulier sur les photographes qui ont consciemment adopté l’horizon de l’extinction comme leur espace de travail – de William Jerome Harrison, un géologue-photographe du 19ème siècle, à Hiroshi Sugimoto -, ainsi que sur ceux qui ont considéré le soleil à la fois comme sujet et médium, comme dans la pratique post-numérique de Penelope Umbrico.

Joanna Zylinska is a writer, lecturer, artist and curator, working at the intersections of technology, ethics and photography. She is Professor of New Media and Communications at Goldsmiths, University of London. The author of five books – including Minimal Ethics for the Anthropocene (Open Humanities Press, 2014; e-version freely available), Life after New Media: Mediation as a Vital Process (with Sarah Kember; MIT Press, 2012) and Bioethics in the Age of New Media (MIT Press, 2009) – she is also a co-editor of the JISC-funded project Living Books about Life, which publishes online books at the crossroads of the humanities and the sciences. Her translation of Stanislaw Lem’s major philosophical treatise, Summa Technologiae, came out from the University of Minnesota’s Electronic Mediations series in 2013. Zylinska is a co-editor of Culture Machine, an open-access journal of culture and theory and a curator of its sister project, Photomediations Machine. In 2013 she was Artistic Director of Transitio_MX05 ‘Biomediations’, the biggest Latin American new media festival, which takes place in Mexico City. Zylinska combines her philosophical writings and curatorial work with photographic art practice. Her current projects involve photographic media entanglements and writing a book on nonhuman photography.

25 février 2016 – 18h-20h
Galerie Colbert
Salle Vasari
Institut national d’histoire de l’art
entrée libre

Accès

2, rue Vivienne ou 6 rue des Petits Champs
75002 Paris

 

 

Oliver Grau 24 novembre 2015 -18h-20h

Mis en avant

Oliver Grau, “DIGITAL  ARTS  COMPLEX  EXPRESSION. MediaArtHistories and its Impact on Democracy, Archives and Humanities”

Résumé
Dans la tradition humaniste, l’Art numérique a la capacité unique de répondre aux défis numériques de nos temps complexes au sein du médium même qui les façonne, alors que les médias artistiques traditionnels offrent principalement des approches métaphoriques. Ainsi, l’Art numérique est la forme artistique avec le plus haut potentiel de visualisation de nos sociétés de l’information, avec la capacité d’aborder la mondialisation, les médias et la révolution de l’image, les crises écologiques, la surveillance, la virtualisation de la finance mondiale, les normes sociales et esthétiques qui concernent le corps humain.

Par rapport à l’archéologie des médias, la discipline MediaArtHistories compare également le contenu, se concentre sur l’imagerie, sa relation, ses contextes et son évolution. Tout comme l’histoire de l’art qui a toujours été informé par les technologies médiatiques disponibles, les sociétés post-industrielles ont besoin des arts numériques basés sur les dispositifs médiatiques contemporains afin de réfléchir sur les défis actuels et futurs.

Biographie
Oliver Grau est titulaire du premier professorat en “Sciences de l’image” dans l’espace germanophone, et dirige le Center of Image Science à la Donau Universität de Krems. Historien et théoricien des médias, spécialiste des sciences de l’image, de la communication visuelle dans les arts modernes et multimédias, de la culture artistique au XIXe siècle ainsi que de la Renaissance italienne, il a notamment publié “Virtual Art. From Illusion to Immersion” (2003), “MediaArtHistories” (2007) et “Imagery in the 21st Century” (2011).

 

24 novembre 2015 -18h-20h
Galerie Colbert
Salle Giorgio Vasari
Institut national d’histoire de l’art
entrée libre

Accès

2, rue Vivienne
75002 Paris

 

Qu’est-ce que le numérique fait au visuel ? 27 novembre

Qu’est-ce que le numérique fait au visuel ?

9e séance du séminaire « Archéologie des médias et histoire de l’art »

 

Lisa Gitelman, “A Media History of Word vs. Image”
Cette communication porte sur la lutte pérenne entre les signes linguistiques et picturaux à travers l’angle de l’histoire des médias. Plutôt qu’insister sur les différences essentielles entre les mots et les images, on prendra en considération les apports technologiques propres à la reproduction et la transmission de chacun, en s’appuyant en particulier sur une version récente de “Moby Dick” en emoji : “Emoji Dick”.

Jacob Gaboury, “The Computer is Not a Visual Medium”
L’écran de l’ordinateur est présent dans la plupart des médias visuels contemporains. Il est ce qui rend possible l’image qu’il montre ; il est conçu pour passer inaperçu, pour se soustraire à la vision. Alors que de nombreux domaines considèrent ce qui est affiché sur l’écran – son importance culturelle ou historique – nous nous penchons rarement sur la matérialité de l’écran lui-même. Cette présentation se veut une archéologie de l’écran de l’ordinateur afin de démontrer les différentes manières dont l’histoire de la technologie écranique transforme radicalement notre expérience des images numériques. Ce faisant, on s’interrogera sur ce que cela signifie de produire une archéologie du présent, et pourquoi les images numériques sont à la fois omniprésentes et invisibles dans l’histoire de l’art.

Biographies
Lisa Gitelman est professeur de l’histoire des médias à la Chair du Département de Media, Culture and Communication de l’université de New York. Historienne des médias, ses recherches portent sur l’histoire du livre aux États-Unis, les techniques d’inscription et les nouveaux médias d’hier et d’aujourd’hui. Elle a récemment publié “Paper Knowledge. Toward A Media History of Documents” (Duke University Press 2014) et “Always Already New: Media, History, and the Data of Culture” (MIT Press 2006).

Jacob Gaboury est professeur assistant en Digital Media & Visual Culture au Département de Cultural Analysis and Theory de l’université Stony Brook (New York). Ses recherches portent sur la culture visuelle numérique, la théorie queer et l’archéologie des médias. Il travaille actuellement à “Image Objects”, un livre qui offre une archéologie des médias du début de l’infographie et de la visualisation en 3D pendant les années 60 et 70. “On Uncomputable Numbers” est le titre provisoire de son deuxième projet qui vise à élaborer une théorie queer de l’informatique.

27 novembre 2015 -10h-13h30
Galerie Colbert
Salle Walter Benjamin
Institut national d’histoire de l’art
entrée libre

Accès

2, rue Vivienne
75002 Paris

 

TRANSMISSIONS, sixième séance du séminaire Archéologie des médias et histoire de l’art

23 octobre 2015 – 10h-13h30 

Galerie Colbert

Salle Walter Benjamin
Institut national d’histoire de l’art
entrée libre

Accès

2, rue Vivienne
75002 Paris

 

Sean Cubitt (Goldsmiths, University of London), « The Archaeology of Truth: Glitch In and As Art History »

La question est rarement de savoir si une œuvre en particulier dit la vérité ou est trompeuse, ni même de savoir si la représentation en tant que telle est fidèle à la vérité, mais plutôt il s’agit de se demander pourquoi la question même de la vérité doit être posée quand on parle des médias. Une archéologie médiatique du vrai se doit d’aborder la vérité tant du point de vue de la conformité avec la perception (le problème du réalisme perspectif), de la science et de sa valeur prédictive (la question de la visualisation des données), et du rapport au sujet humain et non-humain (le problème de l’abstraction formaliste). Chacun de ces aspects recouvre encore un autre mode de vérité : le respect des matériaux. Sous certaines conditions, les « glitchs » peuvent révéler des vérités concernant la matérialité des médias, en particulier électroniques, qui autrement restent imperceptibles. Cette communication s’attachera à retracer une généalogie des « glitchs », en proposera une taxonomie, et présentera une hypothèse concernant la nécessité des accidents en lien avec la colonisation des savoirs et l’esthétique éco-politique. Il s’agira de démontrer que l’apparition de glitchs est inhérente à la médiation, et ce en considérant des échelles temporelles qui vont de la transmission quasi instantanée à la durée longue des archives, et en s’appuyant sur l’étude des effets des agents tant non-humains qu’humains sur les artéfacts médiatiques. On montrera ainsi en quoi les glitchs révèlent quelque chose de l’ontologie de la médiation.

Arnauld Pierre (université Paris-Sorbonne), « Contact. Lumière et langue du cosmos »

« Contact » sera à prendre à la fois dans son sens communicationnel (établir le contact) et comme l’opération autorisant le fonctionnement des œuvres de l’art cinétique : ouvrir et fermer le circuit des conducteurs qui propagent l’impulsion électrique et qui se traduit dans l’allumage et l’extinction des ampoules colorées. En se proposant comme l’équivalent visuel du langage binaire — « cet espéranto en liaison directe avec la profonde nature des choses » (Pierre de Latil, 1957) — les pulsations lumineuses de l’art cinétique adhéraient aux utopies communicationnelles de la cybernétique, résurgence, à l’ère des « machines qui pensent », de la quête obsessionnelle d’une langue parfaite et dotée de compétences universelles. Universelles au point qu’elles permettraient peut-être de s’adresser à d’autres intelligences que les intelligences terrestres… A partir de l’art cinétique et des ses expressions populaires, qui l’assimilent au décor idéal des scénarios de la science-fiction, il est possible de remonter une archéologie de la communication par la lumière qui fait le lien entre plusieurs époques où l’utopie d’une langue lumineuse cosmique se diffuse comme conséquence heureuse des progrès technologiques : la langue universelle de la lumière électrique.

 

Bibliographie autour de l’archéologie des médias

Bibliographie non-exhaustive d’ouvrages en français autour de l’archéologie des médias

ALMEIDA, Fabrice d’, DELPORTE, Christian, Histoire des médias en France : de la Grande Guerre à nos jours, Paris, Flammarion, 2010.

« Tous les indices concordent: nous entrons dans le siècle de l’information. » Parue sous la plume du journaliste Auguste de Chambure en 1914, la formule a des allures de prophétie tant l’omniprésence des médias frappe, un siècle plus tard, l’observateur le moins averti. Quelle a été la genèse du  » paysage médiatique  » dans lequel nous baignons? Quels bouleversements techniques, économiques, mais aussi sociaux et culturels, ont contribué à le façonner? Prenant en considération tous les médias – la presse, la radio, la télévision bien sûr, mais aussi le cinéma, les affiches, Internet Fabrice d’Almeida et Christian Delporte en retracent l’histoire. S’interrogeant sur la notion de culture médiatique, ils offrent des clés précieuses pour comprendre l’évolution qui a conduit, en quelques décennies, du Petit Journal à Twitter et de la TSF à « Qui veut gagner des millions? ». »

 

BERTON, Mireille, WEBER, Anne-Katrin (éds.), La Télévision du Téléphonoscope à YouTube. Pour une archéologie de l’audiovision, Lausanne, Antipodes, 2009.

« Si la télévision a souvent été étudiée dans son contenu ou en tant que médium de masse, elle a plus rarement été l’objet d’une histoire de ses dispositifs, compris en tant qu’agencements entre une représentation, un appareillage et un (télé)spectateur. Réunissant des contributions de spécialistes des études télévisuelles et cinématographiques, cet ouvrage propose de parcourir l’histoire de certains dispositifs télé-visuels fonctionnant sur le principe générique d’une transmission à distance de données, d’images ou de sons. »

 

GUEZ, Emmanuel (dir.), « Archéologie des média », numéro spécial de la revue MCD, n°75, Paris, 2014.

« L’archéologie des média est quasiment inconnue en France, bien qu’elle ait plus de vingt d’existence. Pourtant, elle a produit (et continue de produire) des effets majeurs dans le champ de la création, de l’exposition, de la médiation, de la conservation et de la théorisation des œuvres médiatiques et numériques. Héritant d’esprits indisciplinés de Marshall McLuhan, de Michel Foucault et de Friedrich Kittler, l’archéologie des média est multiple, inter- et a-disciplinaire. Le numéro MCD #75 sera à son image. Pour la première fois, MCD confie la direction d’un numéro à une école d’art. Au croisement de la création et de la conservation-restauration, l’École Supérieure d’Art d’Avignon, et en particulier le laboratoire PAMAL (Preservation, Archaeology, Media Art Lab), entre en dialogue, dans un esprit de questionnement et de diversité, avec ce courant atypique de la pensée d’aujourd’hui, qui interroge principalement la temporalité et la matérialité des média. »

 

KITTLER, Friedrich, RIEBER Audrey (trad.), Médias optiques. Cours Berlinois 1999, Paris, L’Harmattan, 2015.

« Le projet kittlérien d’expulser l’esprit des sciences humaines est ici appliqué au domaine des images, dont il s’agit de dégager l’a priori média-technique. Il en résulte une relecture historique et systématique du domaine du visible qui analyse de manière originale et parfois provocante le passage des beaux-arts (peinture, littérature), aux médias optiques (photographie, cinéma, télévision) puis au médium de tous les médias qu’est l’ordinateur. »

 

KITTLER, Friedrich A., VILGRAIN, Bénédicte (trad.), 1900 mode d’emploi, Courbevoie, Théâtre typographique, 2010.

« 1900 Mode d’emploi est un recueil de textes de Friedrich A. Kittler, choisis et traduits par Bénédicte Vilgrain : Le Testament de Dracula (ou : une contribution de la machine à écrire à la réinsertion des femmes dans le monde culturel). Rébus (ou : une contribution du gramophone au dispositif de décryptage freudien). Une Histoire de double (ou comment l’invention du film déplace la tradition romantique du Doppelgänger). »

 

KITTLER, Friedrich, GUEZ, Emmanuel et VARGOZ, Frédérique (éds.), Mode protégé, Dijon, Les presses du réel, 2015.

« Sommes-nous encore maîtres de nos machines d’écriture ? Que se joue-t-il derrière la distinction entre le hardware et le software ? Dans les deux conférences Le logiciel n’existe pas (1991) et Mode protégé (1993), publiées ici pour la première fois en français, un des pères fondateurs de la théorie des médias allemande Friedrich Kittler (1943-2011) interroge la mainmise de l’industrie du logiciel sur nos usages des ordinateurs et nous invite à une stimulante relecture du matérialisme. »

 

MANOVITCH, Lev, Le langage des nouveaux médias, Dijon, les Presses du réel, 2010.

« Il est tout bonnement difficile d’écrire sur les nouveaux médias, ou d’en dire quelque chose d’utile, en raison de leur nouveauté même. La plupart des auteurs tombent généralement dans la futurologie ou s’enlisent dans une théorie sans fondement. Cela rend ce livre de Lev Manovich d’autant plus inhabituel et important. Il contient en effet la première analyse détaillée et globale de l’esthétique des nouveaux médias qu’il replace dans l’histoire de la culture visuelle, montrant ce qui les rattache à des formes d’expression plus anciennes et ce qui les en différencie. Retraçant l’origine de leur esthétique dans la peinture, la photographie, le cinéma et la télévision, Manovich examine l’imagerie numérique, l’interface homme-machine, les hypermédias, les jeux vidéo, la composition, l’animation, la téléprésence et les mondes virtuels. Il s’inspire à cette fin, de manière éclectique et inventive, de la théorie du cinéma, de la théorie littéraire et de la sociologie. Et, chose tout aussi importante, il met à profit l’expérience accumulée par son travail en technologie des nouveaux médias et en science informatique pour exposer les principes fondamentaux qui distinguent les nouveaux médias des anciens. Son analyse propose des lectures circonstanciées d’objets bien précis choisis dans l’art et dans la culture populaire. Les chapitres qui suivent, qui attestent une profondeur de vue et une compétence exceptionnelles, intéresseront non seulement les universitaires, mais également les artistes et les concepteurs qui cherchent à mieux comprendre l’histoire et la théorie de leur pratique. »

 

MCLUHAN, Marshall, Pour comprendre les média : les prolongements technologiques de l’homme, Paris, Seuil, 1968.

« Le fait essentiel de la communication, c’est la communication elle-même et ses  » média  » (langage, argent, imprimé, mode, télévision ou cybernétique), plutôt que le message communiqué. Le  » message « , c’est-à-dire le contenu de la communication, n’est qu’un leurre qui détourne l’attention pendant que le  » médium  » exerce une action d’autant plus profonde qu’elle nous échappe. Cet ouvrage analyse d’une façon intuitive et parfois familière la nature des technologies qui constituent notre  » environnement  » ; elles sont les prolongements de nos organes physiques et de notre système nerveux, destinés à en accroître la force et la rapidité. »

Autour de Friedrich Kittler – 12 juin 2015 – 10h-13h30

Institut national d’histoire de l’art
salle Walter Benjamin
10h-13h30

entrée libre dans la limite des places disponibles

  • Frédérique Vargoz, Université Grenoble 2 : Les média, machines de chiffrement et de décryptage chez Friedrich KittlerPour Friedrich Kittler, c’est à partir de la théorie de la communication de Shannon, qu’il faut penser de manière élargie le concept de médium. Ce qu’il y a de commun au livre et au télégraphe, à la radio et au cinéma, à la télévision et au radar, sans parler de l’ordinateur, c’est qu’ils codent, et/ou décryptent, le réel. Et que le code est d’autant plus efficace qu’il ne prend pas en considération le sens du message transmis.
    Avec les média techniques (dans leur opposition au médium symbolique qu’est l’écriture), ce qui se joue est la manipulation et la disparition du réel derrière son chiffrement. Si les arts et les media ont toujours été, d’une certaine manière, des créateurs d’illusions sensorielles, les média techniques sont les administrateurs d’une série de conversions qui brouillent (au sens militaire du terme) notre perception de la réalité.
    Que nous révèle le rapprochement entre les média artistiques ou de divertissement et les technologies militaires ? Tout est-il codable ou déchiffrable ? Autant de questions qui nous permettront d’interroger l’originalité de l’approche kittlérienne des média.Frédérique Vargoz est professeure de philosophie dans le secondaire, traductrice, et doctorante. Ses recherches portent sur l’archéologie des média. Elle a traduit et co-préfacé un recueil de deux conférences de F. Kittler (Mode protégé, à paraître aux Presses du réel, collection Labex H2H) et travaille actuellement à la traduction de l’un de ses ouvrages majeurs Grammophon, Film, Typewriter (à paraître aux Presses du réel).
  • Emmanuel Guez, ESAA : De la vie et de la mort des œuvres d’art médiatiques. Sur l’exposition « Une archéologie des média »L’exposition « Une archéologie des média » (20 mai – 28  juin 2015, Seconde Nature, Aix-en-Provence) interroge la vie et la mort des œuvres d’art médiatiques, et notamment numériques. Ces œuvres, créées pour Minitel, Amiga, pour le Web ou l’Internet des objets ne sont pas qu’images, sons ou textes, mais aussi des programmes, des interactions homme-machine, des innervations médiatiques, des composants électroniques, des câbles, de l’énergie. Jamais l’art n’a été aussi dépendant des stratégies industrielles et économiques. Qu’en est-il alors de la préservation de ces œuvres ? Les écosystèmes médiatiques obéissent non pas à une histoire continue, mais à des cycles, à des motifs récurrents, formant, sur le temps long, une succession de strates temporelles, discontinues et profondes, où un
    imaginaire médiatique peut resurgir de manière inattendue.  Les œuvres sont-elles alors, à l’instar des média morts, recyclables ? Possèdent-elles une capacité de réémergence ? Le PAMAL (Preservation &
    Art – Media Archaeology Lab) se penche sur l’émergence et l’obsolescence des œuvres d’art médiatiques et numériques. Il cherche à mieux comprendre les mutations de leurs écosystèmes, au plus près de leurs matérialités.

    Emmanuel Guez est artiste, théoricien des média, commissaire d’exposition et enseignant.
    Il est directeur du PAMAL (Preservation & Art – Media Archaeology Lab) à l’ESA d’Avignon.
  • Jeff Guess, École nationale supérieure d’arts Paris-Cergy : « Team Spirit » (communication en anglais)Dans cette lecture performée et illustrée, il s’agira d’évoquer les sports de compétition — là où s’éprouvent les limites physiques du « soi-disant Homme » (selon la formule de Kittler) — et leur interdépendance croissante avec des algorithmes utilisés pour prendre des décisions stratégiques, améliorer les performances, alimenter des jeux de « fantasy league » et créer pour les « fans » de sport des expériences symbiotiques avec les écrans géants vidéo placés dans les stades. Des journalistes robotiques fourniront un commentaire.Jeff Guess est artiste et professeur des nouveaux médias à l’École nationale supérieure d’arts Paris-Cergy. Il co-dirige, avec Gwenola Wagon, le projet de recherche Media Mediums, qui explore l’archéologie des médias de communication à distance et les liens qu’ils entretiennent avec des phénomènes spirites et psychiques. Le projet a donné lieu à un séminaire, un site, une exposition, 20 publications, et une série d’événements. Un livre bilingue sera publié aux Presses du Réel courant 2016.
  • Pascal Rousseau, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne : « Optical Brain »Dans Optische Medien (1999), Friedrich Kittler poursuit son archéologie des médias et de la vision en soulignant notamment le rôle joué par les modes de transmission électrique de l’information. C’est sur ce paradigme que nous reviendrons, en le resituant dans une histoire parallèle des modélisations photo-électriques du fonctionnement de la pensée à l’âge moderne.Pascal Rousseau est professeur d’histoire de l’art contemporain à l’université de Paris I Panthéon Sorbonne, spécialiste des avant-gardes historiques et des débuts de l’abstraction. Il a été notamment commissaire des expositions « Robert Delaunay » (Centre Pompidou, 1999) et « Aux origines de l’abstraction. 1800-1914 » (Musée d’Orsay, 2003). Il prépare actuellement une exposition sur les liens entre arts visuels et cultures psychiques, intitulée « Cosa mentale. Art et télépathie au XXème siècle » (Centre Pompidou, Metz, octobre 2015/mars 2016).